Eigentlich wollten Station 17 nach einer Phase der Distanz nur mal wieder beim Musizieren gemeinsam in einem Raum stehen. Sie fuhren raus aus Hamburg, auf eine abgelegene Anlage im schleswig-holsteinischen Hügelland der Hohen Geest, und spielten neue Songskizzen – den ganzen Tag und bis spät in die Nacht hinein. Das Ergebnis wollten sie im Anschluss auf einem Konzert in der Hamburger Fabrik live spielen. Dass zu den Resultaten dann gleich auch ein ganzes Album zählen würde, hatte keiner aus der Band erwartet. Doch die Musik sagte es ihnen mal wieder selbst: das, was hier in der Strahlkraft des Moments entstanden war, ließ sich nicht reproduzieren. Ein Glücksmoment für das Bandkollektiv. »Oui Bitte«, Station 17-Album No. 11, war entstanden. Ganz unverhofft, zwischen Pool und Forellenteich …

So zeigt sich hier wieder mal und dabei par excellence: Die Musik von Station 17 ist vor allen Dingen so gut, weil es eine so große Freude bereitet, sie anzuhören. Woran liegt das? Nun, zunächst einmal bietet sie ganz unterschiedliche Zugänge! So kann man sich wahlweise auf das intuitive Referenzspiel einlassen, das hier betrieben wird, kann dabei den nachgezeichneten Genrelinien folgen (also: mit Wissen hören), kann sich aber auch an den poetischen Erzählungen orientieren, die in wenigen Worten einen weiten Nachklang eröffnen. Oder man lässt sich ganz einfach vom treibenden, elegischen Rhythmusspiel mitnehmen; liegend, tanzend, wie es gerade kommt. Alles scheint möglich in der Grenzenlosigkeit dieser Musik. Die sieben Stücke nämlich spülen diese offenherzigen Einladungen in einen fließenden, ästhetischen Strom, bündeln sie zu einem Genuss, der die eigene Disposition vergessen lässt.

»Oui Bitte« zeigt Station 17 als Band des Expertentums in einer Art akustischer Transzendenz. Hier wird im dichten Zusammenspiel Musik gemacht, die sowohl Körper als auch Geist zugehört – was letzteren zu befreien weiß. Und dabei zwingt die Musik von Station 17 einen angenehm sanft dazu, sich auf all das gleichermaßen einzulassen. Schon in den Field-Recordings der Brandung nämlich, mit denen »20.000 Meilen unter dem Mond« nachtklar beginnt, wird ein Pakt angeboten: die Kontrolle also der Musik zu übergeben, aufs offene Meer zu schwimmen, auf sich zurückgeworfen zu sein – um sich dann den Schallwellen hinzugeben. Der Auftakt erscheint programmatisch: In den folgenden 40 Minuten reißt es einen davon, wird man belustigt, katapultiert, geerdet, bewegt. »Oui Bitte« schafft es, dass der Resonanzkörper eintaucht, abdriftet, anspült, abhebt. Die Landung dann: immer sanft! Größte Kontinuität ist der positive Vibe, ein Flugbegleiter, wohltuend, mehr Hülle als Irritation. Station 17 produzieren keine Staudammbrüche, sie ebnen Flussbetten.

»Bewegung« dann zeigt sich als Höhepunkt des Albums und als Manifestation der Idee Station 17. Beweg deinen Geist und bewege deinen Körper, spricht Birgit Hohnen, eine mittlerweile verstorbene Wegbegleiterin der Gruppe, die mittels Sample in die Gegenwart eines Songs projiziert wird, der mit geschlossenen Augen ohne Weiteres ein meditatives Abheben erlaubt. Doch auch die latente Melancholie, die in diese futuristische Vergangenheitsmusik Einzug hält, bleibt warm, bleibt herzlich, bleibt Einladung: in die klangliche Utopie einer schöneren Welt, die dieses Album zu diesem Zeitpunkt und diese Band ohnehin auf akustischer Ebene unlängst für sich etabliert hat..

Am Ende dann wird Zeit gelassen, wird ein weiter Raum entworfen, werden Meter gemacht. In der Ruhe des letzten Songs zeigt sich dabei im Titel ein Widerspruch: »Das Rasen«. Doch der Widerspruch löst sich auf: Hört man ganz genau hin, gleitet man durch das hohe Gras der Wiese, auf die sich zu legen und zuzuhören »Oui Bitte« einlädt. Ja, bitte: Repeat!

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Station 17 Live 2023

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“All hail my dog,” That’s the surreal mantra that animates Do Nothing on their debut album, Snake Sideways. On the long-awaited release, frontman Chris Bailey finds frustration and fear closing in on him with deadlines creeping closer and little to show for it. The meta-adventure of the album is him writing his way out of writer's block and coming out the other side with the band’s most vulnerable and revealing moments so far. Described by Bailey as Do Nothing’s’ most experimental work to date, it’s an anxious and introverted album that offers an arch message of hope through some of the band’s most melodic songs yet. All without losing the absurdist, deadpan lyrics and frenetic energy that endeared them to fans in the first place.

The band started making music as teenagers living in Nottingham, eventually taking a year off to regroup and reset with a more honed style. A pair of EPs, 2020’s Zero Dollar Bill and the following year’s Glueland, established Do Nothing among an exciting crop of new British bands huddled loosely under the post-punk banner. Bailey had big ambitions for the first Do Nothing album, though, and even in early interviews was stressing the importance of always evolving. This desire to change, twinned with the time-freezing pandemic that impacted early stages of writing, raised more questions than it elicited answers for the singer and chief songwriter. The resulting feeling was that of a creative stutter; a disconnection between intention and end product.

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Do Nothing

LeBron James

bdrmm are a four-piece band based in Hull. Musically, there are nods to The Cure, Deerhunter and DIIV, while the band reference Radiohead as an influence. There are also echoes of krautrock and post-punk, from The Chameleons to Protomartyr, somewhere in the mix.

After forming in 2016, the band played incessantly, supporting the likes of Fat White Family, Her’s and Viagra Boys. Word of mouth about the band’s live shows quickly grew and their early releases were covered by the likes of So Young and The Line Of Best Fit.

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bdrmm

Gush

Bdrmm - Question Mark

Madison McFerrin holds a fruitful and robust solo career with three self-produced EPs and numerous performances and curatorships across the country and internationally. Madison’s distinct vocal and meticulously layered stylings of a capella and self-harmonizing culminate in work that blends the genres of R&B, pop, soul and jazz, all with a sense of softness.

Madison works at the intersection of artistry and community building. She often looks back and honors a Black music canon while creating her own unique style, utilizing her voice as a central instrument and drawing upon lifelong inspirations like Stevie Wonder, Aretha Franklin, Erykah Badu, Pharell, Missy Elliot, and the Spice Girls. She is in community with other artists, cultural workers, and activists, and has been able to prioritize the work of women and POC in her curatorial tenures at venues like C'mon Everybody, the WNYC Greene Space and the BRIC Jazz festival. The result of Madison's work is an enduring commitment to finding ways to think better, express ourselves honestly, and nurture a sense of possibility.

Madison’s forthcoming debut I Hope You Can Forgive Me represents an evolution in her career as she finds ways to improvise and self-produce in the midst of an ever changing global pandemic landscape. Following the a cappella projects that corralled early fans (Finding Foundations Vol. I and II), she collaborated with her older brother, Taylor McFerrin, for her subsequent EP, You + I, her first project with instrumentation. I Hope You Can Forgive Me builds upon that next step sonically while exploring themes of love, self preservation, fear, and conjuring. A majority of the tracks on I Hope You Can Forgive Me are produced by Madison, a newly refined skill she honed during the pandemic. In addition to being a producer and arranger, she is also an instrumentalist, playing bass, synth, and creating background vocals for several of the tracks. The intimate album’s sole feature is her father, Bobby McFerrin.

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